库：在面对一张空白的画布时，您如何将自己的所思所想投注其上？
杨：我会先放空自己，这里的放空是指我与画布、颜料以及音乐之间的关系，音乐是我生活中必不可少的，通常在绘画时会选择交响乐或大小提琴独奏，音乐首先营造出了一种放松的状态。通常我的调色盘是极其脏乱的，类似报废的调色盘，以前我以为是坏习惯，后来才明白这就是自由，或者叫接近自由。看不清具体色彩的时候，获取的更多是感觉，包括我部分单色的作品，都是在这样的调色板上去完成的。去将所思考或者随心所欲的东西捕捉到画面，哪怕是提前就预知的画面结果，到后来都会发生很大的变化，只是大部分会比预想要满意，可能这也是不断创作的动力。
杨加勇 离尘 140cm×200cm 布面油画 2018
库：您如何看待绘画的技术？
杨：这个问题本身就是个伪命题。美术史上没有一位绘画技术不好的画者能够成为大师，能把作品画坏到极致也是一种技术，也是思想意识的载体，我所理解的“技术”一定不仅仅是在学院或者某个师承关系上的方法论，学院教学需要技术，大师更需要技术，只是不能单一的去看一幅作品的技术性，在某种层面上是指绘画的语言及技法，语言即是思想和意识的再现，技法便成了鲜活的实体，看得见，尝得到，所以物象即是心象的反映，即技术也是思想深度的反映。
库：在您的创作过程中，更注重于情感的抒发、审美的愉悦还是观念的建构？
杨：这两点在我的作品中都离不开，这也是我每次作画都有音乐陪伴的原因，情感和审美愉悦应该是艺术创作者都离不开的，它包括的范畴太广了。
杨家勇 雾里看花 140cmx200cm 布面油画 2018
库：您在2013 年的《山水》《无题》等作品中，还保持具象的绘画方式，之后慢慢往抽象演变；在最近创作的《万物生》《如歌岁月》中，作品面貌已经非常的抽象，但在《众生》《离尘》等作品中，似乎保留具象的因素。这是为何？如何看待其中感性与理性的成分？
杨：这种风格的变化正好佐证了我对艺术自身的探索。早期的作品出自本科毕业，正在进行新的尝试，本科阶段喜欢画风景题材，这些作品还延续了风景绘画的一些技法和观念，那时也是创作比较平淡、焦虑和苦恼的阶段。而《万物生》《如歌岁月》《离城》等作品都是近年的新作，其创作过程并没有具体的“抽象”“具象”之分，它们也不能笼统地归纳到抽象还是具象的语境中。这些创作都是我生活和生命体验的结果，所以在我的思维中已消解掉了抽象与具象的概念，哪怕这个概念只在我个人的认知中成立。在与朋友、师长交流的过程中，，他们也提出了不同的感受，或是个人神经质般的情感体验，或是一种撕痛、溃烂和纠结感，而这种情感的流露和“抽象／具象”并无直接关系。我是活在感性中的人，所以我更多会对画面的感性成分更痴迷，这句话虽然已经偏向理性。
工作室场景
